...в литературе

ДЖЕЙМС МАКНИЛ УИСТЛЕР (1834-96)

Родился в США, некоторое время жил в России, где его отец строил железную дорогу. В 1885 Уистлер поехал учиться живописи в Париж. В 1859 г. парижский Салон не взял на выставку его картину У фортепиано, поэтому он уехал в Лондон, и Академия выбрала как раз эту работу на выставку. После этого он остался жить в Англии, и его часто называют английским художником американского происхождения.

Уистлер стал провозвестником совершенно новой философии в английском искусстве. Раньше, как мы видели, художники стремились к правдивому отражению природы или к нравственному воздействию на зрителя, но Уистлера все это не интересовало. Направление, которое он начал в живописи, принято называть «эстетизм», т.к. его целью было «искусство ради искусства» - ему интереснее было исследовать сочетания цветов в картине. Прерафаэлиты (напр., Хольмен Хант и Миллес) хвалили его за использование цвета, а вот Джон Раскин был взбешен. Уистлер написал несколько картин, которые сначала называл «Лунные блики», но потом, по предложению одного коллекционера, стал называть «Ноктюрнами», напр., Ноктюрн в синем и серебряном: Лагуна в Венеции (1879-80), и по поводу одного из них – Ноктюрн в черном и золотом: Падающая ракета (1874) - Раскин сказал, что Уистлер «бросил в лицо публике банку с краской». Уистлер дружил с Оскаром Уайльдом и покровительствовал Уолтеру Сиккерту, и некоторые исследователи считают, что его отвлечение от предмета и морали ради чистого цвета проложило дрогу абстрактному искусству. Знаменательно, что почти все его картины называются в первую очередь не по тому, что на них изображено (даже если это портрет), а по цвету, причем часто используется музыкальный термин: помимо уже виденных нами «Ноктюрнов», это такие картины, как Гармония в зеленом и сером: Мисс Сисели Александер (1873), Гармония в сером и зеленом: Океан (1866-72), Симфония в белом №1 (1862) и Симфония в белом №2 (1864), Композиция в черном и коричневом: Портрет мисс Розы Кордер; и даже самая известная картина, которую обычно называют «Мать Уистлера» (1871), на самом деле носит название Композиция в сером и черном.

ОБРИ ВИНСЕНТ БЕРДСЛИ (1872-1898)

В тот период, о котором мы говорим, возникает новое, всеобъемлющее направление в искусстве, которое называют ар-нуво (от фр. art nouveaux, "новое искусство"). Это направление скоро захватило всю Европу и Америку и, сохраняя общие черты, превратилось в немецкий "югендстиль", австрийский "сецессион" и русский модерн. Подробнее о стиле модерн в прикладном искусстве, архитектуре и т.п. мы поговорим чуть ниже, а сейчас давайте завершим разговор об изобразительном искусстве конца XIX века.

В искусстве собственно изобразительном стилистика модерна яснее всего проявляется в графике. Культ "чистой линии" - то, что отличает графику ар-нуво. В этом смысле модерн противопоставляет себя реализму - ведь природе нет контуров – и демонстрирует связь с символизмом, т.к. котур выступает как своего рода символ предмета. Вообще, появление в графике того времени характерного плоскостного орнамента - это явление японских гравюр, которые становятся невероятно популярными после открытия американцами Японии для внешнего мира в 1850-е гг. (чуть подробнее об этом см. ниже). Символизм и плоскостность достигают своего апогея в созданиях Обри Бердсли (по-русски также часто транслитерируется как Бердслей). Этот гениальный художник прожил всего 25 лет, а все свои значимые произведения создал на протяжении пяти последних лет своей жизни, он оказал огромное влияние на современное ему искусство, и не только в Британии (например, очевидно его влияние на Сомова и Бакста).

Бердсли был эстетом, он был знаком с Оскаром Уайльдом и Уистлером, он был денди и светским человеком, любил казаться беззаботным гением, был меломаном и библиофилом, бравировал своим "ничегонеделанием". Говорят, что для поддержания своей репутации он всегда прятал рисунок, над которым работал, если кто-то входил к нему, и мог выкрасть у друзей подаренный им ранее набросок и заменить на более поздний и совершенный. На самом же деле, те, кому приходилось видеть, как он выполняет свои рисунки, сообщают, что работал он очень кропотливо: сначала карандашом рисовал на листе контуры, потом дорабатывал их, стирая старые линии, а потом рисовал тушью, иногда игнорируя линии наброска, которые потом тщательно стирались. Вся работа делалась на одном и том же листе, без отдельных этюдов и набросков.

Бердсли очень интересовала литература, он любил читать - при его слабом здоровье книги порой были единственным его развлечением. Вероятно, поэтому Бердсли прославился в первую очередь как иллюстратор. Его уникальная манера, сочетавшая в рисунке белые пятна, где прорисованы тончайшие детали, и черные, где деталей нет вообще, впервые явилась миру в иллюстрациях к "Смерти Артура" Томаса Мэлори (1893-94). Он сделал как собственно иллюстрации к тексту, так и многочисленные заставки, виньетки и рамки, в которые помещался текст первой страницы той или иной главы. Как иллюстратор, Бердсли был полной противоположностью дотошным прерафаэлитам: он совсем не стремился даже к приблизительной исторической точности. Мы имеем дело с его собственным видением персонажей артуровского цикла, хотя в этой серии иллюстраций все-таки присутствует некая средневековая стилизация, а отрешенные лица рыцарей и дам напоминают персонажей Берн-Джонсa.

Более зрелую его манеру мы можем видеть во второй известнейшей серии его иллюстраций к "Саломее" Уайльда (1894). Персонажи этих рисунков являют собой то, что лучше всего удавалось Бердсли, - зло, извращенность, чувственность. Апогей драмы - рисунок, где Саломея целует отрубленную голову Иоанна Крестителя - завораживает своими хищными линиями. Бердсли любил исследовать ужасное в своем творчестве, в 1894-95 гг. он также создал серию иллюстраций к зловещим повестям Эдгара Аллана По.

Есть у него и менее мрачные сюжеты, которые можно видеть, например, в его иллюстрациях к альманаху "Желтая книга" и книге "Острословия" (1894), виньетки в которой - своего рода кунсткамера, где живут маленькие, непосредственные, притягивающие взгляд чудовища. (Бердсли любил и о себе самом отзываться как о чудовище). Бердсли привлекал XVIII век, распущенный и блестящий, что можно видеть в полных тонкого эротизма иллюстрациях к "Похищению локона" Поупа и "Вольпоне" Джонсона (1896 и 1897 соответственно). Бердсли сделал также ряд крайне откровенных иллюстраций к комедии Аристофана "Лисистрата" (1896), описывающей войну женщин и мужчин. В том же году для либретто вагнеровского "Золота Рейна" он выполнил рисунки на мотивы нибелунговского цикла, в которых мало что осталось от помпезности и несгибаемой серьезности тевтонского гения. Локи, коварный бог огня, у Бердсли хоть и не очень похож на древнего скандинава, но совершенно убедительно демонстрирует, хитрой улыбкой и извивающимся телом, свой лукавый характер.

Бердсли оставил также и небольшое наследие как писатель. Его повесть "История Венеры и Тангейзера", которую он начал в 1896 г. (в которой, как написано в предварительном слове, "подробно описывается строй при дворе госпожи Венеры, богини и блудницы, подо знаменитым холмом Горсельбергом, и в которой повествуется о приключениях Тангейзера в тех местах, о его раскаянии, путешествии в Рим и возвращении к любовной горе") не была закончена, но художник успел выполнить иллюстрации к ней - в сущности, текст при взгляде на них может даже показаться лишним. Атмосфера, царящая во дворце Венеры, понятна и без него.

В конце жизни Бердсли, уже неизлечимо больной чахоткой, принял католичество. Он уверовал очень искренне и сильно, и его самое последнее письмо адресовано его издателю: Бердсли умоляет его уничтожить "Лисистрату" и все неприличные рисунки. Издатель, однако, не выполнил его просьбы и сохранил для нас самое блестящее наследие английского декаданса в его полноте.

ПРИКЛАДНОЕ ИСКУССТВО АНГЛИЙСКОГО МОДЕРНА

Общие черты европейского модерна (как, впрочем, и американского, и русского) отчетливее всего прослеживаются в декоративных изделиях, виньетках, витражах. Мастерам того времени свойственно было стремление романтизировать действительность, преобразить ее эстетически, причем для этого они хотели использовать все виды искусства и интеллектуальной деятельности. Именно поэтому модерн и стал таким всеохватным стилем, появляясь не только в чистом искусстве, но и в быту (массовое строительство, книгопечатание, даже модный покрой одежды). Основа стиля, то, по чему модерн легче всего отличить – это изгибающиеся, близкие к природным формы и волнистые линии, т.н. "удар бича". В отличие от ар-деко, стиля, который пришел позже, уже в 1920-е гг., и был основан на строгой, минималистской геометрии, для ар-нуво свойственна текучесть, несимметричность формы.

Стиль был общеевропейским, а потому не будет ошибкой привести в качестве примера типично «модерного» здания особняк Рябушинского в Москве (он же музей Горького), работы гениального архитектора Шехтеля, с его знаменитой оплывающей лестницей и кованой решеткой ограды. К сожалению, модерн - дитя декаданса - как, вероятно, никакой другой стиль был подвержен тому, чтобы переходить тонкую грань и становиться пошлым, вычурным и напыщенным. В изобразительном искусстве это особенно хорошо видно на примере работ художника Альфонса Мухи, где присутствуют все формальные признаки модерна и несомненное мастерство, но со всей очевидностью отсутствует его тонкое изящество (собственно, Муха к нему и не стремился: его задачей было делать высококлассные афиши и рекламу, которые нравились бы заказчикам - то есть, фабрикантам и торговцам, - и это ему удалось). Можно сказать, что Муха довел модерн до его логического завершения, сделав его сентиментальным и соответствующим вкусу буржуазии, т.е., обывателя, а не поэта.

Что касается собственно прикладного искусства, то нужно учитывать, что, хотя ар-нуво и был общеевропейским стилем, он не был единственным стилем, существовавшим в то время. В 1890-е в оформлении интерьера и пр. сосуществовали несовместимые полюса. С одной стороны в нем мог присутствовать и уже виденный нами расслабленный эскейпизм салонных художников; с другой – «искусство ради искусства» Уистлера и странные создания Бердсли ; с третьей же, вещи, созданные по достаточно сдержанному дизайну, напр., Кристофера Дрессера (2) (1834-1904), Макинтоша и Арчибальда Нокса (3) (1864-1933). В результате, типичный интерьер того времени включал вещи самых разных стилей, вдохновленных самыми разными источниками.

Например, в 1853 г. американцам удалось наконец проникнуть в Японию, таким обpазом сломав «бамбуковый занавес» и менее чем за десятилетие Европу и Америку наводнили японские гравюры, чай, бамбуковая мебель, лаковые изделия, керамика, веера. «Японизм» отразился даже в музыке – недаром именно на рубеже веков появляются опера "Мадам Баттерфляй" Пуччини (1904) и оперетта "Микадо" (1885) Гилберта и Салливана.

Артур Лэзенби Либерти основал свою фирму в 1890е. На фирме "Либерти и Ко." сначала делали вещи в эклектичном стиле, свойственном позднему викторианскому периоду, но потом развили свой собственный стиль. Во многом протестовали против «японизма», а также против форм ар-нуво, который часто становился вычурно-чувственным, и против философии эстетизма, которую проповедовали Уистлер и Оскар Уайльд, т.к. она в основном опиралась на личность, свободное, ничем не сдерживаемое творчество, а Либерти, вслед за Раскином и Моррисом, делал упор на честный труд "ремесленника". Либерти, как и Моррис, стремился к тому, чтобы даже в массовом производстве создавать прекрасный дизайн. Постепенно прокладывали путь новому искусству - уже в 1920-е гг. появляется ар-деко, очень схожее по формам.

АРХИТЕКТУРА АНГЛИЙСКОГО МОДЕРНА: ЧАРЛЬЗ РЕННИ МАКИНТОШ (1868 - 1928)

Очень влиятельная фигура как в архитектуре, так и в прикладном искусстве. Родился и работал он в Глазго, и его творчество создало то, что принято называть «школой Глазго» в архитектуре. Он ходил на вечерние занятия в Школе искусств в Глазго, и там познакомился со своей будущей женой Маргарет Макдональд и еще двумя молодыми художниками – сестрой Маргарет Фрэнсес и Гербертом Макнером. Они стали работать вместе – эту группу называли просто «Четверо», они выставляли свои работы в Глазго, Лондоне и Вене. В Вене их стиль сильно повлиял на местное ответвление модерна – «сецессион».

Легко узнаваемый стиль Макинтоша сочетает плавные изгибы ар-нуво с прогрессивными геометрическими формами, которые похожи скорее на ар-деко. Работал в основном в Глазго: например, именно ему принадлежит проект здания редакции «Глазго Геральд» и церковь Куинз-Кросс. Также он спроектировал новое здание «Школы искусств» и интерьер знаменитой чайной под названием «Ива». Строил он также и дома для частных заказчиков, напр., т.н. «Дом для любителя искусств» в Глазго и «Дом на холме» в Хеленсбурге. Макинтош создавал также изящную и практичную мебель.